Depende de la edad que tengas puede que hayas abierto este artículo pensando que voy a hablar de Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo, o incluso del maltratado (y para mí brillante) Prince of Persia de 2008. Sin embargo, lo que me interesa es hablar del Prince of Persia de 1989, el original, vamos. Se trata de uno de los padres del género de acción y aventuras tal y como lo conocemos, un tipo de juego que más allá de incorporar en los últimos tiempos elementos heredados de otros como la progresión o el mundo abierto, en realidad no ha cambiado tanto desde hace todos esos años. No obstante, la obra que consolidó a Jordan Mechner como un verdadero talento después del éxito de Karateka, esconde uno de mis momentos favoritos de la historia de los videojuegos. Uno repleto de sencillez, pero también un instante repleto de ingenio fruto de la mente maestra de uno de los grandes creativos de nuestro mundillo. Pero antes de contarlo hay que dar un poco de contexto, dos pinceladas rápidas: te prometo que seré breve.

Ahora vivimos en un mundo en el que la extensión no es problema, los videojuegos parecen competir por ver cuál supone una descarga de GB más alta e incluso algunos vienen en formato físico dentro de varios discos. En los viejos tiempos las cosas eran muy diferentes, el espacio era tremendamente codiciado y, en ocasiones, un impedimento para cumplir los sueños de los creativos. La diferencia entre pasar de un disco a dos era una verdadera locura en términos de gastos, y eso condicionaba mucho las decisiones. Así pues, Jordan Mechner decidió inicialmente que Prince of Persia no tendría enemigos. Ninguno, así de claro. Todo el reto se basaría en esquivar trampas, saltar correctamente los precipicios y asirse con éxito a las plataformas. No quería que el protagonista ejerciera ningún tipo de violencia, quería que únicamente fuera el entorno el que la proyectara sobre él… pero al mismo tiempo quería ahorrarse espacio en disco. Los modelados y animaciones de los adversarios ocupaban un lugar valiosísimo en el disco del juego, y quitarse todo eso de encima era todo un triunfo para él.

Sus productores y compañeros hicieron todo lo posible por convencerle de lo apropiado que sería para la fórmula jugable el hecho de que hubiera adversarios a batir. No sólo para aportar variedad, sino también para introducir unas dinámicas de combate que le vendrían muy bien al título. Propusieron todo tipo de ideas, incluso por ejemplo aprovechar los modelados y animaciones del protagonista para hacer a nuestros adversarios y cambiar solo colores o cabezas (opción descartada por el propio Mechner puesto que consideraba los movimientos del héroe tan icónicos que perdería mucha fuerza si los compartiera con todos los personajes del título).

Finalmente, utilizando un truco de Apple II (la plataforma en la que se lanzó originalmente el programa) consiguió resolver el problema y finalmente el título tiene oponentes y combates tal y como lo recordamos… Pero algo quedó de todo aquello, y es la semilla de la sombra del príncipe, el conocido como Shadowman. Un personaje misterioso, nuestro doppelganger, que surge a raíz de un momento en el que el propio príncipe cruza un espejo. Tan pronto lo hace, de la otra cara del cristal surge una versión oscura de sí mismo que corre en la dirección contraria y desaparece. Es decir, un ahorro de modelados en toda regla que obedece a esa necesidad de encontrar soluciones ingeniosas en clave de la economía de recursos a la que Mechner estaba siempre atado. Es el mismo personaje, pero oscuro. Ni más ni menos. Una idea de la tristemente fallecida Tomi Pierce, por cierto, una de las mejores amigas de Mechner, y una persona a la que le debo (debemos) mucho.

Nos cruzamos con nuestra imagen oscura varias veces, viéndole a lo lejos, y siempre deja su sello fastidiándonos los planes. O bien nos cierra una puerta en las narices o, por el contrario, se bebe una de las pócimas de recuperación de salud que podíamos haber recogido. En todo momento hay algo de mística y de magia en su presencia… aunque sea para molestarnos.

¿Puede haber spoilers de un videojuego de hace más de 30 años? Espero que no tengamos la piel tan fina, pero por si acaso advertido queda: voy a hablar del final del título. En la recta final de Prince of Persia, y justo antes de enfrentarnos al villano máximo, está mi momento favorito de toda la campaña… Y uno de mis favoritos de la historia de los videojuegos. Se trata del momento en el que, cuando estamos ya muy cerca de nuestro objetivo, se cruza en nuestro camino nuestra sombra. Armada y plantándonos cara.

El duelo más esperado de Prince of Persia

Recuerdo como si fuera ayer la primera vez que me enfrenté a ella. El príncipe, siempre que tiene un enemigo delante, saca automáticamente el arma: una espada. Eso te invita mentalmente a atacar, te predispone, pero no sólo la sombra es habilidosa con su arma, sino que además cuando logramos impactarle también perdemos salud nosotros. Estamos perdidos. Llevamos a estas alturas mucho tiempo matando a nuestros enemigos a golpes de espada, pero llegados a este punto no hay nada que podamos hacer para vencerle… ¿Nada? Lo que el juego te está pidiendo en ese momento es que renuncies a todo lo que has hecho para llegar hasta ahí, que cambies tu manera de pensar.

En un momento de absoluta brillantez, Prince of Persia lo que te pide es que renuncies a la violencia que te ha permitido llegar hasta ahí. Enfundar el filo es la única opción para salir adelante. Envainas la espada y, para tu sorpresa la primera vez, también lo hace tu sombra. Ambos estáis frente a frente, pero ahora desarmados. Caminas hacia ella, y ella lo hace hacia ti. Tú corres, ella corre… hasta que chocáis, fusionándoos en uno. Tú sigues en pie, ella ha desaparecido. Reto superado. Lo único que falta antes de enfrentarnos al villano y rescatar a la princesa es un enorme vacío que es imposible de saltar de punta a punta. Ocupa prácticamente toda la pantalla, de hecho. Llegado a ese punto, y posiblemente atenazado por el tiempo (tienes 60 minutos para completar el juego) la única vía es ir hacia delante, plantarle cara al vacío. Otro momento mágico: como en Indiana Jones y La Última Cruzada, solo si caminamos hacia el vacío descubriremos que hay un puente invisible que nos permite cruzarlo y llegar ilesos al otro lado.

¿Qué significa la sombra? ¿Cómo se relaciona el paso de fe al vacío con ella? Desde luego significa lo que tú quieras que signifique, y eso es lo maravilloso del juego. Te puedes quedar con la versión más sencilla en cuanto a que envainar la espada es una metáfora simple de renuncia a la violencia. Puede ser, claro. Sin embargo, el propio Mechner ha hablado sobre ello en una charla vinculándolo con la teoría del filósofo Carl Jung sobre la sombra, y me parece que tiene mucha más fuerza que eso.

En este enlace puedes encontrar una completa transcripción de una charla del propio creativo explicando su posición al respecto, es interesantísima y te la recomiendo. Pero, por resumirla, viene a decir que todos tenemos una serie de cualidades que consideramos que son las mejores que poseemos. Sin embargo, también existen las cualidades opuestas, incluso defectos en algunos casos, y esas conforman nuestra sombra. Con la edad, vamos esculpiendo nuestra personalidad, vamos puliéndola y delimitándola, y todo lo que queremos dejar fuera se convierte en esa personalidad oscura. Por eso, al atravesar el espejo al principio del juego nos dividimos en personaje y en sombra, y por eso ésta última trata de frustrar nuestros planes hasta el final en el que le plantamos cara. Lo que en otros videojuegos se hubiera resuelto con una épica batalla, en Prince of Persia se aborda con genialidad. Abrazamos nuestra sombra, aceptamos nuestras debilidades y así logramos un momento de catarsis. El caminar por el vacío sobre el puente invisible no deja de ser un refuerzo. Ahora eres un ser completo, estás preparado para superar cualquier desafío. Incluso el de caminar por el vacío.

Para mí, probablemente uno de los lapsos de 20 o 30 segundos más absolutamente brillantes de los videojuegos. Desde que descubres que con violencia no puedes superar a tu mitad oscura, hasta que te armas de valor y cruzas el abismo. Oro puro de nuestro mundillo, narrativa implícita pero con el mismo poder que la explícita (y muchísima más capacidad evocadora), y un concepto sencillo pero que da pie a montones de teorías. Y todo ello sin largas cinemáticas, sin conversaciones inagotables, sin sobreexposición que nos mantiene pasivos frente a la pantalla… Todo ello jugando.

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Esta noche a las 22:00 en NEOX tienes oportunidad de ver la estupenda Jack Reacher, una película de acción sin complicaciones pero con un tempo trepidante, buenas interpretaciones y algunas curiosidades realmente interesantes que han definido en buena medida cómo ha transcurrido la carrera de su estrella: Tom Cruise.

Algo más de dos horas de acción desenfrenada

Rechar es un detective de homicidios que investiga un asesinato múltiple. Una propuesta sencilla que hemos visto mil veces como punto de partida, pero que aquí tiene interesantes ramificaciones. No obstante, lo que eleva a la película a ser un largometraje que debes ver es que la trama está hábilmente intercalada entre multitud de escenas de acción de lo más espectaculares, lo que demostró que su director (del que hablaremos más adelante, estaba sobradamente preparado para echarse a las espaldas películas de estas características y desafíos a pesar de ser únicamente su segundo largometraje como realizador.

Cruise, desde luego, está en todo su esplendor. Consiguió el papel tras mostrar un gran interés en él, y eso que se habían considerado para protagonizar la película a otros grandes del calibre de Brad Pitt, Dwayne Johnson, Hugh Jackman o Will Smith, entre muchos otros. Como ya tenía por costumbre, hace todas sus escenas de riesgo, y aquí está acompañado por un reparto de lujo en el que se incluyen actores del calibre de Richard Jenkins, Rosamund Pike o el mismísimo Robert Duvall, incluso una aparición breve pero muy intensa del afamado director Werner Herzog. Por no desentonar, no lo hace ni siquiera el siempre limitadísimo Jai Courtney, uno de los menos carismáticos actores de su generación que, por algún motivo que nunca he logrado entender, ha conseguido estar en franquicias del calibre de Terminator, Jungla de Cristal o en productos de DC Comics. Uno de esos misterios de Hollywood que sólo se pueden entender si tienes un agente de gran talento como, supongo, es el caso.

Lo que mucha gente no sabe es que Jack Reacher está basada en una serie de novelas de Lee Child sobre este personaje que es, sin duda, el que más éxitos le ha dado y que ha protagonizado casi una treintena de libros con sus andanzas. 

Un importante éxito para Tom Cruise, y algo más...

Tom Cruise junto al legendario Robert Duvall

Estrenada en cines en 2012, el largometraje costó algo más de 60 millones de dólares y recaudó casi 250 millones en todo el mundo, lo que lo convirtió en un éxito que no se cuenta entre los mayores taquillazos de Cruise, pero que sí fue lo suficientemente rentable como para garantizar una segunda parte llamada Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás que, definitivamente, no tiene ni la chispa ni el encanto de la entrega original y que fue mayoritariamente considerada como una decepción en la carrera de la estrella norteamericana. Eso sí, si te interesa el pack de dos películas y no llegas a ver la primera esta noche, siempre puedes comprar el Blu-ray con los dos Jack Reacher cinematográficos

Claro que la continuación estaba dirigida por Edward Zwick y contaba con un guión bastante menos interesante y sin el factor sorpresa de la original. Si bien Zwick es un director muy competente y ya había estado detrás de la estupenda Diamante de Sangre o incluso de El Último Samurái con el propio Cruise, lo cierto es que fue McQuarrie, el director de la primera parte, el que realmente encontró la conexión definitiva con el actor. El cineasta ya había escrito Valkiria, también protagonizada por la estrella norteamericana, pero a partir de entonces el idilio se intensificó y en los últimos 10 años se han convertido en el matrimonio indisoluble que lleva a espaldas la saga Mission Impossible y ha escrito para él 6 largometrajes y ha dirigido tres de ellos. Incluyendo Jack Reacher, claro, que no sólo es una estupenda pelícual de acción sino que, además, fue el comienzo de todo para una de las parejas creativas más exitosas de los últimos años.

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Una de las grandes sorpresas de esta noche en el Summer Game Fest ha sido la presentación de Toxic Commando, un nuevo título que cuenta con el asesoramiento del cineasta John Carpenter: el auténtico mago del terror que nos ha brindado clásicos del cine como La Cosa o Están Vivos, por poner sólo un par de ejemplos.

El título es un shooter en primera persona bastante desenfadado, con unas cinemáticas realmente espectaculares y un tono general ligero y divertido que encaja muy bien con el estilo de películas del norteamericano.

Toxic Commando lo desarolla Saber, que están preparando el poderoso Space Marine 2. "No podemos aguardar ni un minuto más para enseñaros esta nueva IP tan asombrosa que estamos creando con el talentoso equipo de Saber", destacan desde la distribuidora, Focus Home Interactive.

En el título encarnamos a un equipo de comandos con el que podemos hacer equipo con nuestros amigos, escogiendo una clase que encaje con nuestro estilo y optando por el vehículo perfecto y una larga amalgama de armamento con el que acabar con nuestros enemigos.

John Carpenter en los videojuegos

El director de cine norteamericano no es la primera vez que ha estado vinculado a los videojuegos. En primer lugar porque es muy vocal en cuanto a su interés por éstos en redes sociales y, por otro lado, porque ya en el pasado estuvo vinculado a la saga F.E.A.R. en condición de asesor para el guión... aunque después se demostró que prácticamente no había aportado nada al videojuego.

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Si te acuerdas, en su momento fuimos particularmente entusiastas con un "pequeño jueguito" llamado Remnant: From the Ashes, en esta ocasión volvemos para hablar de su segunda parte. El espectacular Remnant 2 que ha presentado un nuevo tráiler en el Summer Game Fest de esta misma noche.

Se trata de una muestra de gameplay de lo más potente, con el juego de acción en tercera persona enseñando un músculo gráfico que deja clara una importante mejoría respecto a su primera entrega y que, además, se hace particularmente fuerte en el aspecto cooperativo.

El shooter de los chicos de Gunfire Games ha aprovechado no sólo para enseñar este contenido puramente in-game con un aspecto fantástico, sino también para concretar su fecha de lanzamiento el día 25 de julio.

Un shooter en tercera persona potente

Los aficionados podrán viajar en solitario o con sus amigos a través de los nuevos mundos de Remnant 2 en estas modalidades, utilizando "diferentes tipos de armas e ítems" para plantar cara a criaturas de lo más aterradoras. Todo lo que podemos esperar de un looter shooter en toda regla esta en este videojuego, fabricación y botín, por ejemplo. Además, el juego promete también expandir el sistema Archetype para ofrecer bonus pasivos y poderes asombrosos.

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Una de las cosas más inteligentes que hace el universo Mass Effect como saga es la de colocar a los humanos a un lado. Sí, huelga decir que el protagonista es humano, sin embargo en muchas situaciones de la serie, éste en particular y los hombres en general se encuentran en franca desventaja como pertenecientes a esta especie, y esto condiciona la narrativa de la franquicia de BioWare. La trilogía completa es la historia de un crisol de especies y de cómo su convivencia no sólo es tan dificultosa como la de cualquier conjunto de seres donde hay tantas diferencias sino que, en este caso, tiene una supervivencia que pende de un hilo ante una amenaza mucho mayor. Este desafío de titanes obliga a la creación de un equipo de criaturas muy diferentes y provenientes de sitios muy distintos y que, por supuesto, encabezamos nosotros.

Alerta de Spoilers: Este artículo no contiene grandes spoilers de Mass Effect, pero sí algunos menores que no entorpecerán el disfrute de la trilogía.

¿Significa esto que esta sea una historia de confraternización entre seres diferentes? Sí, pero esto no es una película de Disney. En nuestra mano, y la de nuestras decisiones, queda que el proceso sea más o menos armonioso, no obstante hay que tener en cuenta que las fricciones siempre van a estar presentes y que a parte de los personajes de moral inmaculada o maligna, hay una escala de grises monumental que es la que de veras enriquece la paleta de la epopeya espacial del Comandante Shepard. Los creadores de marcas tan importantes como Dragon Age, Caballeros de la Antigua República o Baldur’s Gate han destacado siempre por tratar sin tapujos temas espinosos y, en esta ocasión, se han volcado en ofrecer una visión sobre el racismo trasladado a la ciencia ficción como fábula de nuestro tiempo.

Ha habido grupos de personajes en la mayor parte de la obra de este estudio canadiense y en todos ellos se han tratado temas en cuanto a la discriminación por las diferencias étnicas o de orientación sexual, pero nunca en el primer campo con la profundidad y las posibilidades que permite una oda a la exploración de otros mundos como la que nos ocupa. Todo un campo virgen para relatos de este perfil.

La ciencia ficción y el racismo en el centro

Por ejemplo, esto ya lo han hecho otras franquicias importantes de la ciencia ficción a lo largo del tiempo. Si tenemos en cuenta dos de los buques insignia en este campo, exceptuamos a una saga Star Wars que siempre ha tenido un toque más bien naif en cuanto a temas adultos como estos, tanto Star Trek como Galactica se han volcado en un tratamiento que es fundamental de cara a entender los dilemas a los que se enfrenta Shepard a menudo, y que resultan fundacionales para los Mass Effect. El caleidoscopio de especies que es la primera serie está trufado de desconfianzas y prejuicios por parte de unos y otros con ejemplos como el de los romulanos perpetuamente enfrentados con los vulcanianos, los bajoranos contra los cardasianos… y con un sinfín de pequeñas historias derivadas de estas confrontaciones, en ocasiones intangibles y en otras que se resuelven con el siempre primal "algo más que palabras".

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La segunda, por su parte, lo ha tratado con sus recelos y confrontaciones constantes entre humanos y cylon, a cuya existencia cibernética los primeros se refieren como "tostadoras". Ese tipo de discriminaciones despectivas abundan en relatos de este perfil, y basta con recordar que era con el término "pellejudos" como se refería el viscoso, xenófobo (¿androidófobo?) y desagradable comisario Bryant a los replicantes de la imprescindible Blade Runner. Pero el del racismo es un tema que ha preocupado siempre a la ciencia ficción y la fantasía, y así lo demuestran parábolas formidables como El Planeta de los Simios, X-Men y tantas otras.

Porque claro que hay racismo en Mass Effect, y lo hay porque en la vida real también existe. Como decimos, a menudo la ciencia ficción es un reflejo mejor que obras de carácter realista sobre los problemas que asolan la vida contemporánea, y en ese sentido la saga de BioWare aborda muchísimos conceptos importantísimos, pero quizá el de las discriminaciones por las diferencias en la piel sea uno de los más profundos y arraigados. No en vano el universo del videojuego, en sentido literal y figurado, es un auténtico crisol de especies diferentes que actúan a modo de representación del mundo en el que vivimos. Lo bueno del título, de la serie de títulos más bien, es que nos plantea todas estas situaciones para que seamos nosotros quienes deciden cómo van a desarrollarse. ¿Recuerdas que en un momento determinado del primer Mass Effect se nos presenta la posibilidad de acabar de un plumazo con una especie entera? Así de serio es todo esto.

De hecho, algunos de los mayores horrores xenófobos de Mass Effect los puede pergeñar el propio Shepard bajo nuestras órdenes. Abundan en Internet increíbles demostraciones de cinismo y deliciosa vileza virtual con incluso recomendaciones de qué tipo de decisiones ir tomando en los distintos nudos de elecciones que atesora la saga en cuanto a provocar el daño máximo en todos los que nos rodean. Con la verdadera posibilidad de salvar el universo, sí, pero dejando un reguero de canalladas que nos hace dudar si realmente acabar con la amenaza de los Segadores justifica el museo de los horrores que podemos provocar. Algunas de las quejas de los aficionados sobre los distintos finales de Mass Effect llegaban a poner en cuestión si realmente la saga nos daba tanto control sobre lo que estábamos haciendo.

Una afirmación sorprendentemente corta de miras e incapaz de entender que el viaje de nuestro comandante es el de una trilogía entera, y no sólo el de esa recta final que BioWare, cediendo ante las presiones, se vio obligada a cambiar. El caso es que nuestro equipo podía ser blanco e inmaculado como el de un grupo de superhéroes de tebeo, gris como los seres humanos del mundo real o, por último, negro como la oscuridad que se cierne sobre la galaxia antes de nuestra intervención.

Los protagonistas de Mass Effect: un crisol de personalidades muy distintas

Incluso en nuestro equipo hay personajes de moral confusa. Ashley es un secundario creado para ser deseable si profundizamos en su psique, incluso protagoniza una de las posibles subtramas románticas del videojuego, sin embargo en términos de relación con otras especies es un personaje muy tajante en sus fobias y que puede provocar rechazo en el jugador sino se entra a fondo a descubrirla. Sería un poco estúpido decir que la coprotagonista es racista, porque al fin y al cabo no hablamos de razas, pero desde luego tiene una opinión muy formada sobre otras especies merced a un legado de su pasado… Y es la de querer tenerlas a todas principalmente lejos de la Normandía de una forma que roza la xenofobia.

Si está en lo cierto con algunas de ellas no es objeto de estudio en este momento, básicamente porque se posiciona siempre de una forma muy poco receptiva con todas ellas así que es imposible que con alguna no acierte en sus recelos, pero lo que está claro es que pone en nuestro equipo una opinión confrontada al mensaje de sintonía entre seres diferentes que parece querer enviar el videojuego como conjunto. Su contrapunto es tan fuerte como necesario, puesto que con él BioWare ayuda a que entendamos lo frágil que es la alianza que encabezamos… Incluso a costa de convertir a ojos de muchos en indeseable a un NPC que puede acabar siendo fundamental para la saga si nuestras elecciones lo permiten. Hay también otros acompañantes que tienen una moral cuestionable en cuanto a otras especies, pero sus planes son mucho más enrevesados y a menudo están ocultos, con lo cual no entraremos a describirlos y evitaremos así spoilers.

Y si hablamos de fragilidad, lo hacemos a sabiendas de que en la trilogía hay mil y una balanzas de relación entre especies en un equilibrio perpetuamente quebradizo de las que dependen el destino de muchas otras. Algunas de ellas, eso sí, con representaciones de etnias y nacionalidades de nuestro mundo para fortalecer el impacto de su propuesta. Los Quarianos, por ejemplo, son una especie que guarda ciertas similitudes en su aspecto con los seres humanos, aunque con la cara cubierta y un misterioso look. Su retrato dentro del videojuego es la de una poco sutil representación de los gitanos, exiliados de su país Rannoch, sobreviven de forma nómada desplazándose por la galaxia en gigantescas flotas de navíos como los propios romaníes.

Hasta tal punto es así que la actriz que doblaba al personaje, Ash Sroka, explica que en la descripción de lo que se necesitaba para su voz era "un acento parecido al gitano pero inidentificable". Aunque no es el único paralelismo. En cuanto a la voz de Javik se escogió a alguien con acento sudafricano, Ike Amadi, algo que encaja con la idiosincrasia del personaje. Por otra parte, y por quedarnos con un único ejemplo de las decenas que podemos encontrar, la persecución que sufren los monstruosos Krogan, y que desemboca en la humillante genofagia que trata de controlar su natalidad, guarda fuertes similitudes con algunos de los casos más sonrojantes de eugenesia que ha protagonizado el ser humano, esterilizando a etnias a comienzos del siglo XX incluso en países tan avanzados como Suecia.

Los problemas del mundo real llevados al videojuego

Pero, y esto es lo genial de la IP al completo, en todo momento la decisión del destino de muchos de ellos queda en nuestras manos. Cosas tan pequeñas como el secundar o reprender los comentarios racistas de algunos miembros humanos de nuestra tripulación puede obrar pequeños cambios en cómo se comportarán éstos en el futuro, y al final hay decisiones tan importantes que pueden acabar generando tramas románticas con especies alienígenas. En un mundo como es el de los videojuegos en el que parece que los creadores tienen que estar pidiendo disculpas por prácticamente todo lo que hacen en cuanto se sale un poco de lo establecido, especialmente ante clases políticas y medios de comunicación retrógrados, es de admirar la valentía de BioWare a la hora de llegar al límite de la confraternización que supone el proponer sexo entre especies… Cosa que, por supuesto, levantó ampollas.

No obstante, al fin y al cabo son estos pasos los necesarios para la normalización de un universo complejo, profundo y de eminente convivencia entre seres diferentes como el de Mass Effect. No entramos en la forma de presentación de estas secuencias de índole sexual, todavía algo ingenuas y toscas en cuanto a puesta en escena, ni tampoco en si sería razonable que humanos y alienígenas tuvieran relaciones sexuales. Con lo que nos quedamos es que, una vez más, la decisión de la homogeneización de la tripulación de la Normandía, compuesta de muchas especies diferentes, es nuestra.

Si queremos puede ser un equipo más o menos bien avenido que funcione como un reloj suizo y en el que haya espacio para la amistad o incluso el amor o, por el contrario, puede ser una versión de ciencia ficción de Los Doce del Patíbulo: un grupo de canallas que desconfían entre ellos que, en cuanto pueden, buscan hacer la guerra por su cuenta y que destruyen cualquier esperanza futura de cooperación entre especies por sus obcecaciones por unas diferencias interespecies que sólo con nuestra intervención podemos ayudar a superar (de especies en el juego, y raciales para el interés del artículo como alegoría de nuestro tiempo).

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Con la ciencia ficción en los videojuegos y, particularmente, en la saga Mass Effect hemos comprobado que ciertas cosas cambian. Algunos problemas de nuestro tiempo se resuelven y otros nuevos surgen en su lugar, mientras otros como los prejuicios y la discriminación hacia el que es diferente, sencillamente, se mantienen. Ojalá sortearlos fuera tan sencillo como elegir la opción de conversación adecuada.

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Cada vez parece que, en mayor medida, las grandes superproducciones de los videojuegos tienden a tirar de las cuatro o cinco mismas palancas. Mundo abierto, toques RPG, personalización estética o de rendimiento, relevancia del botín... esto dibuja un panorama en el que, a menudo, poco hay de sorprendente. Es por ello que tanta gente está cada vez más contenta con los boomer shooters: videojuegos que se inspiran en los grandes clásicos shooterde los años 90 para tratar de adaptarlos a los nuevos tiempos pero sin perder su esencia de sencillez jugable y de rústico pero cuidadísimo pixel art. Aquí brilla con luz propia este shooter que tanto me está gustando: Warhammer 40.000: Boltgun.

Shooter de la vieja escuela

Los chicos de Auroch Digital han hecho algo aparentemente sencillo pero que, en realidad, es muy complicado. Han cogido grandes clásicos como DOOM, Wolfenstein 3D o Duke Nukem 3D, los han juntado, les han puesto un llamativo envoltorio del universo Warhammer 40.000 y nos han brindado un juegazo. Un verdadero homenaje a los grandes clásicos del género shooter en el que, como diría Walter de El Gran Lebowski, "en su sencillez radica su belleza".

Y es que hay pocos elementos de distracción en Boltgun. Su campaña, única oferta jugable, consta de una sucesión de niveles sin demasiada conexión entre sí y de laberíntico diseño que no es que recuerden a los juegos de id Software, es que los homenajean claramente. Desde su trazado, sus secretos hasta incluso estéticamente cómo tocan a su fin cuando llegamos a la puerta de final de fase. No ocultan de dónde provienen y eso me gusta.

Si ves el juego en movimiento ya sabes que tiene un carácter retro muy marcado, desde toda su concepción a nivel jugable hasta el aspecto visual con un píxel art muy grosero pero que es también muy evocador y que me encanta. Esto se traduce también a las cinemáticas, que tienen una estética muy cuidada y que son tan estáticas como cabría esperar de un juego de la época a la que rinde culto. Lo que sí te puedo adelantar es que no hace mucha referencia al universo al que pertenece. Más allá de alguna frase concreta y de algún curioso guiño a Titus, personaje que recordarás si jugaste a Warhammer 40.000: Space Marine, la verdad es que tampoco hace mucho Boltgun por aprovechar el rico y oscuro telón de fondo que ofrece la mitología 40k. Y, siendo honestos, la verdad es que no le hace falta nada más allá de lo que hace en cuanto a respetar el tipo de escenarios, las armaduras o el arsenal. Somos un Ultramarine destinado a un planeta que está lleno de enemigos: es todo lo que necesitamos saber.

Es directo y duro, como un puñetazo. Saltas a un escenario y rápidamente oleadas y oleadas de enemigos saltan sobre ti con intención de obliterarte y no hay mucho más. Una cuidada selección de armas redondea la oferta, pero la combinación del ya legendario bolter que da nombre al juego en el gatillo derecho del pad (lo he jugado en Xbox), con la sierra en el izquierdo (que tiene el plus extra de inmersión de pedirte machacarlo insistentemente para cortar a tus enemigos) son un pack que el resto del juego tiene muy difícil superar por mucho que lo intente. Y eso que tiene un botón sólo para soltar improperios a nuestros enemigos y que es oro puro.

Boltgun no es un juego perfecto

Que mi entusiasmo por cualquier juego que me recuerde a mis inicios con el First Person Shooter en los noventa no nos distraiga, Boltgun no es una propuesta inmaculada: ni mucho menos. Hay problemas más o menos sutiles (o al menos que se notan cuando llevas unas cuantas horas invertidas) como que no se nota siempre en pantalla tanto como querría el daño que recibimos, lo que puede darnos algún disgusto, o también me llama la atención el escaso equilibrio entre algunas armas... está bien hacer que tengan cada una sus ventajas e inconvenientes para que no te valgan para todas las situaciones, pero eso significa que hay que cuidar al máximo todas ellas para no hacer de algunas algo inservible o desproporcionado. En el tiempo que llevo jugado, algo más de media campaña, en alguna ocasión he sentido ambas cosas. Pero también hay defectos muy llamativos, como una curva de dificultad nada bien calibrada que es lógicamente ascendente, pero de una forma muy brusca.

Además, da la sensación de que el personaje no es lo suficientemente habilidoso como para explorar a fondo los escenarios y sacarles el máximo partido. Es decir, entiendo perfectamente que estos personajes, con sus enormes dimensiones y sus armaduras, no deberían ser muy ágiles; pero ya que vas a violar las leyes del realismo con el movimiento que exhiben en Boltgun, ¿por qué no ir a muerte y ofrecer incluso más velocidad y destreza? Hay algún combate en el que me he sentido frustrado por la falta de movilidad del protagonista en comparación con lo que piden los enemigos (especialmente los jefes) y con el tipo de mapas que hay para explorar.

Claro que es fácil pasar por alto todos estos problemas cuando el juego, en su esencia, atesora tantos elementos que hacen grandes a los clásicos del género. Es frenético, es divertido, es adictivo y tiene unos niveles muy bien diseñados, salpicados por unos enemigos desafiantes y agresivos. Con otros lanzamientos siento que tengo que contenerme para no seguir hablando y hablando y llenar páginas y páginas de texto, con Boltgun no me sucede: es sencillo, básico y también divertidísimo. Hay algo muy visceral y poco racional en acabar con el último enemigo con apenas unos pocos puntos más de vida y, además, en hacerlo siempre destruyéndolos literalmente en pedazos. Eso es Boltgun, y no hay mucho más que hablar.

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Siempre me han gustado mucho los videojuegos de tipo Action-RPG, también los más puros, claro, pero los que mezclan el género con un acercamiento más ligero y de acción siempre me resultan muy agradables. Siendo más joven, probé muchísimos y recuerdo incontables horas invertidas en Diablo 2 o en Titan Quest, por mencionar sólo un par. Todo esto me posiciona en el grupo de personas que esperan con ansia que llegue el verano para poner las manos sobre Diablo IV, lógicamente. Pero hasta que llegue, y en mi afán de ir repasando juegos que me he dejado de probar de los últimos años, he pasado las últimas semanas jugando a Warhammer 40.000: Inquisitor - Martyr. Y se trata de mi más reciente placer culpable, esos juegos que no son demasiado buenos pero que disfrutas enormemente.

Action-RPG con sabor a Warhammer 40.000

Ahora mismo hay dos formas de hacerse con el juego de Neocore, la estándar para PC, PS4 y Xbox One y, por otro lado, la Warhammer 40.000: Inquisitor - Martyr Ultimate Edition en consolas y Complete Edition en PC que, bajo ese kilométrico nombre, esconde en su interior no sólo algunas mejoras visuales en el caso del primero (y 60 FPS, por cierto), sino también un sinfín de contenidos descargables y añadidos de contenido que disparan la duración y también más posibilidades para elegir al personaje con más clases disponibles.

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Este videojuego tiene un nombre tan largo que parece querer batir un Récord Guinness, si no lo ha hecho ya

Por ejemplo, he oído maravillas de la del rifle de francotirador porque permite hacer que las partidas sean más ágiles (a menudo oí críticas al título por su ritmo lento), pero me da la sensación por las características de los personajes que la del Cruzado es la ideal para empezar. Parecen luchadores tremendamente lentos pero muy efectivos en combate y bastante robustos en defensa; así que, llevándola por la vertiente táctica, es la que he elegido para las cerca de 15 horas que llevo ya de partida.

Y puede que haya sido un acierto, o puede que no, pero lo cierto es que el ritmo del videojuego es lento. Tras haber probado hace unas semanas la beta de Diablo IV, que tiene mucho más afinado el tempo del desplazamiento, todavía en mayor medida, claro. Y lo cierto es que entrar en Inquisitor - Martyr cuesta, especialmente en consola, porque no lo pone fácil.

Estoy empezando a introducirme en el universo de Warhammer 40.000 en los últimos meses, y he empezado con la serie de La Herejía de Horus, así que su mitología y sus historias me interesan; y conceptos como los de sus naves a caballo entre la fortaleza y el monasterio me fascinan. Y no están mal planteadas aquí de comienzo, en la historia se nos cuenta que la nave Martyr lleva miles de años a la deriva y encarnamos a un personaje de la Inquisición que debe esclarecer qué ha pasado con ella. Claro que el hilo da para lo que da, y al final la campaña de un Action-RPG tiene que ser larga, y es fácil perder el interés pasadas unas horas. Valoro positivamente de sus responsables el hecho de que hayan creado cosas como el Sector Caligari específicamente para el juego, pero al final la historia (a pesar de su fascinante punto de partida) se diluye tanto que no es lo que me ha mantenido aquí.

Y lo que sí lo ha hecho es el truco más viejo del mundo: el de la progresión. Ahí el juego es innecesariamente complejo en algunos aspectos, y peca de no explicar nada bien cómo funcionan las cosas: no obstante, funciona. La subida de niveles está bien espaciada para que sea frecuente y tenga buenas recompensas... cuesta entenderlas a veces, pero es fácil que incluso a partir del nivel 30 seas capaz de subir un nuevo nivel e ir desbloqueando nuevas habilidades pasivas, atributos, ventajas o armas que no estaban a tu alcance más o menos cada hora u hora y media de partida.

Mi personaje a nivel 30

Y menciono las habiliades pasivas específicamente porque el juego tiene una forma peculiar de construir su jugabilidad. Así como en tantos y tantos RPG fundamentas tu crecimiento en ir ganando niveles y desbloqueando habilidades activas con ellos, aquí éstas están vinculadas a tus armas. Es decir, que las habilidades de combate (ya sean de corta o larga distancia) son las del arma, y sólo tenemos acceso a otras si cambiamos de arma.

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Obviamente, hay formas de hacer pequeñas modificaciones e incluso de fabricar nuestras propio arsenal y equipo, pero más o menos cuando coges un arma que te gusta puedes potenciar sus resultados, pero las habilidades en sí mismas son las que son.  Esto hace que tu evolución más estándar se base en la típica de +5 de posibilidad de crítico, +2 de daño, +4 de PV... no es la que más me gusta, pero como se nota muy claramente su efecto en los combates, no hay problema. Al final hace que el ansia por encontrar nuevo botín (que suele ser uno de los principales acicates para seguir en este tipo de juegos), sea doblemente interesante: mejores prestaciones, y nuevas habilidades. Y apetece porque, de hecho, Warhammer 40.000 Inquisitor - Martyr es un videojuego terriblemente violento. Uno que hace que quedes muy satisfecho aplastando a tus oponentes.

Sierras y Bolters para el Inquisidor

Una muestra del inventario y de las comparativas que se pueden establecer con el equipo

Y es que, a pesar de que no es un juego en perspectiva de tercera persona clásica al hombro como cada vez nos acostumbra más el género, el título goza de una violencia desmesurada. Los impactos de las balas o de los ataques cuerpo a cuerpo provocan auténticos destrozos en los enemigos que se ven incluso desde la distancia, y todo lo que son las salpicaduras de sangre y los desmembramientos están razonablemente bien hechos... En realidad, diría que es de lo mejor resuelto a nivel estético del programa. No esperaba menos de un videojuego ambientado en un universo tan desgarrador y salvaje como el de Warhammer 40.000.

Eso sí, la cámara es algo picajosa, al menos en la versión de consola. En lugar de usar un ángulo fijo como en otros representantes del género como la saga Diablo, por ejemplo, Inquisitor - Martyr apuesta por una cámara plenamente móvil que no me da la sensación de que aporte demasiado: ni en cuanto a lo que supone girarla, ni tampoco en lo que es hacer zoom más allá de recrearnos con alguna animación violenta. La idea es que más o menos, y uniendo la dirección del stick izquierdo con el que orientas al personaje y la propia cámara con el derecho, no sólo exploras mejor los escenarios sino que puedes apuntar con mayor precisión a los enemigos. Esa es la teoría, claro; no obstante, la realidad es que al final resulta muy difícil elegir a quién queremos atacar, y es fácil acabar impactando a quien no nos interesa.

Al fin y al cabo los enemigos no son los más espabilados del mundo, y suelen ser más amenazantes por cantidad que por desafío, así que tienden a agolparse y lo del apuntado no suele ser tanto problema. Eso sí, si quieres maximizar las recompensas y apuestas por niveles de reto más altos que los tuyos, ahí si puede ser más controvertido. Suelo apostar por el +5 en dificultad en cada misión, que es bastante asumible en los combates normales (aunque en los jefes sí que me hace sudar), y ahí sí que he sufrido alguna que otra muerte por este manejo tan poco fino del apuntado... siempre refiriéndome a la versión de consola, claro está.

La versión original ya puede llegar fácilmente a las 100 horas de campaña si tienes intención de hacer todo lo que ofrece, pero a esto hay que sumar que prácticamente hay un generador de misiones que puede llevar tu partida al infinito, y que en la mencionada versión definitiva que he estado jugando, hay tal cantidad de DLC que la cifra de horas que puedes destinar a disfrutarlo puede multiplicarse. Obviamente, me cansaré antes y ya estoy muy centrado en acabarme el hilo de misiones principales (que consta de cinco capítulos) y he empezado a dejar de lado las misiones secundarias. Eso es porque, como has podido leer, hay cosas que no me gustan del título, pero aún así engancha. Sería mejor juego si todo lo que he mencionado estuviera más pulido, si no hubiera algunos bugs visuales (que no tienen mucha importancia pero que son bastante aparatosos) o si los mapas y los enemigos no fueran tan parecidos entre sí. Pero lo que hay es lo que hay, y Neocore ha estado más centrada en añadir contenido de una forma desmesurada que en acabar de rematar las asperezas que definitivamente tiene el programa.

Eso sí, llega un momento, como siempre en esta clase de lanzamientos, que estás tan inmerso en la fuerza de todo lo que está pasando, en el deseo de subir de nivel y quizá incluso con amigos en su cooperativo, y todo eso hace que pases por alto cosas de ese tipo. Y es por ello que Warhammer 40.000: Inquisitor - Martyr es mi placer culpable.

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Sobre lo que ha sucedido esta madrugada con las reviews de Redfall, que ha sido recibido con análisis que se han movido entre la tibieza en el mejor de los casos y en la dureza de las reviews más crudas, hay al menos dos lecturas. La primera es la del que no quiere pensar, el fanático del fabricante millonario que se agarra a un clavo ardiendo: la prensa recibe sobornos de PlayStation para valorar sus juegos y, en esta ocasión, no lo ha recibido. Como castigo, críticas pobres al videojuego en cuestión. La salida de la conspiración es la fácil en casi todos los contextos, claro. El que no gusta mucho de elaborar se queda con eso y vive feliz y sin preocupaciones, como quien apoya a un equipo de fútbol. "Mi club no hace nada mal, son los árbitros, el césped, las lesiones, el dopaje, la UEFA...", siempre hay una excusa.

No obstante, el que tiene dos dedos de frente se da cuenta de que las cosas no son tan sencillas, y que hay muchas formas de desmontar semejantes argumentos: por un lado que ha habido juegos exclusivos de los de Redmond con sello de Recomendado como Halo Infinite o Forza Horizon 5, por otro que hace escasos meses ha habido juegos exclusivos de Sony como Forspoken,  The Crown of Wu o  el remake para PC de The Last of Us con sello de No Recomendado o, por último, que la precariedad que vive el periodismo de videojuegos actual no casa precisamente con las leyendas de los constantes maletines. Algo más que la conspiración del gorrito de papel de aluminio debe haber detrás, y lo cierto es que en los últimos años hemos visto videojuegos de Xbox buenos y malos, como con todas las compañías, claro: pero todos ellos tienen algo en común, vienen de grandes estudios con enorme talento. ¿Por qué pasan entonces cosas como los retrasos de Redfall y Starfield o el lanzamiento a medias de Halo Infinite? Y, lo que es más preocupante, ¿por qué incluso con retrasos de por medio, juegos de estudios tan reputados como Arkane no alcanzan la excelencia?

La planificación en los exclusivos de Xbox

El caso es que Redfall no ha salido demasiado bien terminado. Incluso el aficionado más entusiasta que ha podido disfrutar del videojuego anticipadamente, merced al caos que reinó en los últimos dos días gracias a la activación en determinadas regiones antes de tiempo, sabe que (le haya gustado o no) el título atesora graves problemas de tipo técnico. No sólo la cacareada imposibilidad de alcanzar los 60FPS de lanzamiento, sino también abundantes problemas de acabado, bugs, inoperancia de la IA o cosas ya muy superadas en este género como un cooperativo en el que sólo se conserva el progreso en las misiones del anfitrión. Todo esto se hubiera solucionado con más tiempo de desarrollo, también el rendimiento, claro, pero es que el juego ya había anunciado justo hace un año su retraso.

Está claro que necesitaba unos meses más de trabajo, pero también está claro que Microsoft necesitaba un exclusivo importante para Xbox Game Pass en este primer semestre. Cuando hay tiranteces de plazos de este tipo, casi siempre el lanzamiento se produce cuando el año de títulos lo necesite, esté el producto como esté, así que gana el lado económico... y pierde el jugador.

La cosa es que en los últimos tiempos ha habido videojuegos formidables salidos de los estudios internos de Xbox, como por ejemplo Hi-Fi Rush o Pentiment, que han gustado mucho tanto a prensa como a aficionados. Pero ambos ejemplos tienen un patrón común, son juegos donde la creatividad absoluta de sus equipos ha primado por encima de cualquier otra consideración y que, además, han salido a la venta sin ningún tipo de presión de plazos. Tanto es así que la joya de Tango Gameworks se lanzó por sorpresa y sin ningún tipo de anuncio previo.

Cuando los juegos son más grandes e incluyen una planificación compleja detrás, la cosa está siendo más difícil.

La controvertida figura de Matt Booty

Al final, para los aficionados Phil Spencer acaba siendo el cabeza de turco habitual por el sencillo motivo de que es la figura más visible del organigrama de Xbox. Sin embargo, creo que en esta ocasión hay que mirar un poco más abajo, sólo un poco. Desde 2018 Matt Booty ha llevado las riendas de Xbox Game Studios, y desde entonces ha habido algunos éxitos incontestables como un Gears 5 que ya estaba bastante avanzado en el momento en el que él cogió las riendas, o un Forza Horizon 5 que viene de manos de unos Playground Games enchufadísimos, y que siempre han tenido muy clara su forma de trabajar tanto en cuanto a lanzamientos como al soporte postlanzamiento en forma de eventos y temporadas.

Sin embargo, lo que cada vez genera más malestar entre los aficionados es todo lo que ha habido entre medio. Desde el comienzo de su mandato ha habido años realmente despoblados, y es que tener en 2022 un catálogo tan exiguo como la versión final de Grounded, Pentiment y As Dusk Falls, todos ellos videojuegos estupendos pero lejos de ser unos vendeconsolas... o más bien unos vendeservicios. O que en 2020 el gran reclamo fuera el lanzamiento de Xbox Series junto a un Halo Infinite que se hizo esperar hasta 2021, pero cuyo retraso fue tan de última hora que hasta figuraba en la caja de la consola, y con el que tenían grandes acuerdos con algunas marcas de alimentación que lanzaron sus productos promocionales con códigos para canjear por experiencia y armas sin que fuera a haber juego hasta la friolera de un año después.

Habiendo hecho muchas cosas mal, lo cierto es que no podemos culpar a Booty de cómo funcionan las cosas en el ala de Bethesda porque esas no dependen de él, pero sí que hay una evidente falta de planificación en todo esto. Es obvio que internamente sabían que Redfall no iba a estar a la altura y hay varios indicativos de ello: en primer lugar cero campañas promocionales y un lanzamiento muy de perfil bajo para ser un juego de un estudio tan potente y uno de los pocos exclusivos del semestre, en segundo lugar embargo el día del lanzamiento (no siempre, está claro, pero a menudo es mala señal) y el envío del código de review muy tarde. Lo suyo hubiera sido que hubiera habido un retraso más largo porque está claro que con un año no ha sido suficiente, pero Xbox Game Studios no ofrecía ningún otro juego en un estado suficientemente avanzado con el que llenar el hueco que dejaría en el semestre un nuevo cambio de planes para el juego de vampiros. ¿Resultado? Lo dicho anteriormente, en el tira y afloja entre sacar un producto debidamente terminado o tener algo disponible a marchas forzadas, ha ganado lo segundo y hemos perdido los jugadores.

El año pasado, en uno de sus habituales pedidas de disculpas y antes de prometer otra vez que el 2023 sería sería el año bueno para Xbox, Phil Spencer reconocía en un podcast que se habían lanzado juegos apresuradamente pero que la actual fuerza de estudios first-party de la compañía norteamericana estaba evitando que eso pasara actualmente. Pues bien, a pesar de la compra de estudios millonarios y de tener un repertorio de equipos enorme y sin parangón en cuanto a número entre los fabricantes de videoconsolas y ofertadores de servicios, lo cierto es que tras un 2022 de inusual pobreza en cuanto a lanzamientos, parece increíble que el 2023 esté fiado casi por entero a Bethesda con un Redfall que no ha salido demasiado bien como acabamos de saber, y con un Starfield que se ha convertido por méritos propios y por deméritos del resto de estudios internos en la gran esperanza de Xbox para este año. Hay algunas cosas interesantes como Forza Motorsport, claro, que luce increíble, pero con la cercanía en el tiempo de Forza Horizon 5 no parecía excesivamente necesario... aunque sean juegos de un perfil muy diferente, claro.

Puede que este verano haya sorpresas y anuncios para lo que queda de 2023, de hecho debe haberlos. Por ejemplo, nuestros compañeros de VidaExtra publicaban hace poco un listado de todos los estudios que ha comprado Microsoft y de los que todavía no sabemos en qué están trabajando. La lista es larga, la friolera de 7, y algunos de ellos fueron comprados hace más de un lustro y todavía no han dado señales de vida. Con otros títulos aparentemente más lejanos ya anunciados y con tráiler, como por ejemplo Fable o un Perfect Dark que también está atravesando un desarrollo problemático, parece obvio que hay problemas y que no se está gestionando bien la comunicación de todo lo que se está desarrollando en estos momentos, ni tampoco organizando bien el calendario de lanzamientos. Eso sí, con los mimbres que tienen en la compañía norteamericana y la paciencia que les debería permitir el disponer de tantísimos equipos de desarrollo, me atrevería a firmar que no es un problema de talento sino de planificación.

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Si no la has visto, tienes que verla. Así de claro. Es una película que no deja indiferente a nadie. En los Óscar de la Academia de 2008, se alzaba con cuatro estatuillas incluyendo algunas de las más importantes como Mejor Película, Mejor Actor de Reparto, Mejor dirección y Mejor Guión Adaptado; una auténtica barbaridad para una película bastante pequeña en términos presupuestarios (25 millones de dólares) y que consiguió recaudar casi 200 en todo el mundo. Hablamos, lógicamente, de No es País para Viejos, la adaptación al cine de la novela del siempre interesante y desgarrador Cormac McCarthy.

122 minutos de violencia salvaje

Esta noche a las 22:02 en Paramount puedes disfrutar de una de las últimas grandes películas de los hermanos Coen, y es que desde el 2007 que se estrenó han hecho algunos largometrajes interesantes como Un Tipo Serio o La Balada de Buster Scruggs, pero lo cierto es que a la altura de ésta la mayoría sólo consideran su revisión de Valor de Ley o la minimalista pero extraordinaria A Propósito de Llewyn Davis.

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Y es que para que la cinta que nos ocupa saliera bien, tuvieron que coincidir varias cosas. Para empezar, se trata de una de las primeras grandes adaptaciones de Cormac McCarthy a la gran pantalla, tras la fracasada Todos los Caballos Bellos, y del inicio de la puesta de moda de sus obras tras ganar el Premio Pullitzer en la categoría de ficción por una novela que igual te suena y que es una de las más influyentes para los videojuegos y el cine postapocalíptico de los últimos 15 años: La Carretera, capital para construir obras como The Last of Us o I Am Alive, por poner un par de únicos ejemplos.

Por otro lado, cuenta con un reparto de actores que ahora están muy de moda pero que por aquel entonces no eran nada conocidos en el circuito del cine más popular. El protagonismo se reparte entre Josh Brolin, que había pululado entre los secundarios más olvidables y el telefilme hasta entonces, y un Javier Bardem que comenzaba a hacer ruido en Hollywood y que ya había sido nominado al Óscar, pero que todavía no se había echado a la espalda él solo una película de este calibre. Les acompaña Tommy Lee Jones, en un papel tan crepuscular como todo el largometraje, como un sheriff que vive entre el Lejano Oeste y la actualidad y al que le cuesta encajar en un mundo cada vez menos humano.

Cuando tienes esos mimbres en absoluto estado de gracia, acompañados por un guión de ese calibre y unos directores con ganas de reivindicarse tras la pobre acogida de sus dos últimas películas: las olvidables Ladykillers y Crueldad Intolerable, el resultado sólo puede ser espectacular.

Anton Chigurh: El psicópata definitivo

Cada rodaje tiene millones de anécdotas e historias curiosas e interesantes por detrás, y el caso de No es País para Viejos no podía ser una excepción. Las hay de todos los colores, y podríamos contar desde que comenzaron utilizando para las escenas de acción una sangre falsa barata mezclada con azúcar porque, si ya has visto la película, sabrás de sobra que tuvieron que emplear mucha... muchísima, de hecho. Pero tuvieron que dejar de hacerlo, y apostar por una sangre especial que costaba 200 dólares el litro, porque los extras que estaban en el desierto haciéndose el muerto para las escenas acababan cubiertos de hormigas y toda clase de bichos atraídos por la dulzura del falso plasma.

O que Woody Harrelson, que por aquella época fumaba bastante marihuana según el propio Bardem, interrumpió el rodaje de una escena con el actor español para coger el teléfono móvil que llevaba en el bolsillo ante el asombro de éste y las risas del resto del equipo. O que el canario, cuando vio su ya icónico peinado para hacer del villano del largometraje, se limitó a decir: "dios mío, con este pelo no voy a ligar en dos meses".

Sin embargo, el dato que más nos interesa es el de un estudio publicado en Business Insider por el que un grupo de psiquiatras realizaron una investigación en base al estudio de 400 películas, a través de las cuales identificaron 126 personajes que eran "verdaderos psicópatas". Sin embargo, y de todos ellos, el más preciso retrato clínico de un psicópata era el del personaje de Javier Bardem en este filme: Anton Chigurh, un asesino demoledor sin ningún tipo de remordimiento y, por ahora, su personaje más memorable y reconocible.

El caso es que No es País para Viejos es una película formidable que, con un 8,2 en IMDB está en el puesto 148 de las mejores películas de la historia, y que puedes ver esta misma noche en Paramount Channel a las 22:02. Si no llegas a tiempo, o prefieres verla con la comodidad de tu propio horario, la tienes disponible también en Amazon con carátula alemana pero con todos los idiomas dentro, incluido el español y el inglés, y también en SkyShowtime sin coste alguno si eres suscriptor. Verás en ella una historia tremendamente violenta y desgarradora, sí, pero también a una selección de personajes que van desde los más humanos que hemos visto en los últimos años, hasta las más aterradoras máquinas de matar. Una joya.

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En los años 80 en poco más de un mes se podía desarrollar un videojuego que fuera un éxito de ventas. Conforme las tecnologías han ido avanzando y la complejidad de los desarrollos creciendo exponencialmente, como es lógico, los tiempos han ido en aumento, y ahora en un mes dentro del plan de desarrollo de un gran AAA no completas ni la fase de contratación para la parte de preproducción.

Suicide Squad: Kill the Justice League, el videojuego de Rocksteady para Warner, acaba de anunciar casi 10 meses de retraso para tratar de rescatar una propuesta que estaba recibiendo duras críticas tras la presentación de su gameplay. A partir de ese mismo momento, la maquinaria de la rumorología no se detuvo y no faltaron quienes apuntaron que el videojuego sufriría un severo retraso hasta 2024 para modificar una serie de aspectos sustanciales, informaciones que se han cumplido. La explicación de por qué hace falta tanto tiempo y por qué, aún así, puede que el juego siga pareciendo fuera de lugar cuando salga es, en realidad, muy sencilla.

El pecado del Escuadrón Suicida

Lo constataba Jason Schreier hace unos meses, en una afirmación que no por impactante deja de ser cierta. "Si un desarrollo de un juego de gran presupuesto comienza a día de hoy, probablemente su lanzamiento se producirá en PlayStation 6". Los ciclos de desarrollo ahora mismo son tan largos, que la planificación, la elección de un modelo de negocio y la anticipación son capitales. ¿Por qué? Porque lo que está de moda en el momento en el que se inicia una producción lo más probable es que no lo esté cuando el juego esté terminado.

Tienes montones de ejemplos de lanzamientos en los que la reacción de la gente es, literalmente, la de "qué tarde llega esto". Por explicar únicamente un caso, a finales de 2017 salía la versión en acceso anticipado de PUBG y hablábamos del momento álgido de los battle royale: todas las compañías querían el suyo. No obstante, si un juego AAA comenzó entonces a plantearse, y con un desarrollo de 5 años, puede que saliera a la venta ahora o incluso que todavía le quedaran algunos meses para completar su desarrollo. Con un mercado del battle royale en franco retroceso y ya copado por el propio PUBG, por Call of Duty Warzone y por algunos otros pocos representantes, lo más probable es que lo tuviera muy difícil para hacerse un hueco y, posiblemente, estaría abocado al fracaso antes incluso de nacer. No es fácil acertar con unos desarrollos tan largos, y eso da la explicación a por qué tantos juegos parecen fuera de lugar ahora mismo.

Es precisamente el caso de Suicide Squad: Kill the Justice League, un videojuego que ha anunciado un retraso de casi un año. Mucho tiempo para un lanzamiento que estaba a la vuelta de la esquina, como quien dice, y del que sus responsables no han dado muchos detalles sobre los motivo. "Es una decisión necesaria para que el juego alcance la mayor calidad para los jugadores". Los antaño tremendamente en forma Rocksteady, que sacaron las tres entregas de la saga Arkham con un ritmo de lanzamiento bastante alegre, no han puesto en el mercado nada en los últimos nueve años puesto que han estado enfrascados en este megaproyecto que ya hace tiempo que no es exagerado decir que se les está "atragantando". Y no parece que sea por unas mecánicas jugables que no parecen particularmente revolucionarias, da la sensación más bien de que se trata de su modelo de negocio. Un formato Juego como Servicio que estaba mucho más de moda en el momento en el que se ideó el proyecto que ahora, y del que seguramente en los últimos años el fracaso de propuestas como Babylon's Fall o Marvel's Avengers habrán servido de toque de atención para los responsables del juego de Escuadrón Suicida.

¿Para cuánto puede dar de sí un retraso de tantos meses? Es difícil saberlo, quizá haya algunos ajustes en el modelo de negocio que tantas críticas ha despertado, pero el núcleo principal no puede cambiar. Seguirá siendo un juego como servicio y seguirá teniendo la tienda interna que tantas críticas ha despertado, eso parece claro, aunque sí que puede dar tiempo a cambiar muchos aspectos relacionados con el equilibrio de esa economía interna que quizá haga más digerible el pagar a precio completo un juego que también incluye micropagos en su interior... algo mucho más tolerable entonces que ahora, cuando el aficionado ya cada vez es más escéptico con este tipo de prácticas. Vamos, que en estos 10 meses puede dar tiempo a cambiar detalles y a pulirlo mucho más, pero no a modificar la esencia del juego. Ese germen nació hace 9 años, cuando todo esto estaba mucho más de moda, y ese es el mayor problema del título y también el más difícil de solucionar.

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En 3DJuegos | Llevo años leyendo cómics de Superman y nada de lo visto hasta ahora en Suicide Squad me hace creer que esté en la ciudad de Metrópolis