Si mezclas a Tarantino con Sam Raimi y Park Chan-wook te sale este estreno que no sabías que necesitabas ver
Me he divertido muchísimo viendo Te van a matar (They Will Kill You). No es la película que pensaba que iba a ver, la verdad. Una producción agresiva, violenta y por momentos desagradable, pero también exagerada, consciente de su valor cinematográfico y sus referentes y con una destacable intención de sorprender al público, tanto al palomitero menos exigente como a aquel que va descubrir un buen montón de hallazgos visuales y narrativos. Esta película hace de su director, Kirill Sokolov, un talento del cine de acción al que prestar mucha más atención en adelante. No es una película para todos los estómagos, pero sí es una experiencia que entiende perfectamente qué quiere ser: un festival de sangre, humor negro y adrenalina sin complejos.
No me ha sorprendido comprobar que mi opinión sobre la peli coincide con la de críticos como Brian Tallerico (al que la peli le ha gustado bastante menos que a mí) y mi compañero Alex G. Calvo de Sensacine, con quien he comentado la peli y es que resulta innegable encontrar los referentes directos de Te van a matar. Citando a Tallerico: "es como si Sam Raimi hubiera hecho un remake de Kill Bill". Y ahí está la clave para entender qué tipo de bestia tenemos entre manos: una película que no esconde sus influencias, sino que las exhibe con orgullo, y la verdad que creo que eso es algo que está muy bien.
Una salvajada que no pide perdón (y tampoco lo necesita)
Te van a matar llega a los cines españoles el 27 de marzo de 2026 tras su paso por el festival SXSW el 17 de marzo, marcando un punto de inflexión curioso dentro del cine de género actual. No porque reinvente nada, de hecho, bebe de muchas fuentes, sino porque lo mezcla todo con una energía tan desbordada que acaba generando algo propio, o al menos lo suficientemente estimulante como para destacar en cartelera.
Dirigida por Kirill Sokolov y escrita junto a Alex Litvak, la película está producida por Andy y Barbara Muschietti, lo cual ya da una pista del tipo de espectáculo que propone. En el centro de todo está Zazie Beetz (tremenda en Atlanta) interpretando a Asia Reaves, una exconvicta que acepta un trabajo como ama de llaves en un rascacielos de lujo en Nueva York, conocido como The Virgil. Lo que parece una historia de reinserción laboral se convierte rápidamente en una pesadilla cuando descubre que el edificio es la base de operaciones de una secta satánica formada por ricachones que lleva años sacrificando personas con total impunidad.
A su alrededor orbitan nombres como Myha'la, Tom Felton, Heather Graham, Patricia Arquette y Paterson Joseph, todos ellos entregados a una propuesta que no entiende de medias tintas y que pasa el relevo del Smells Like Teen Spirit de Nirvana a la generación Tik Tok. El reparto no solo acompaña: se lanza de cabeza al caos, especialmente Arquette, como la inquietante y excéntrica líder del culto, y Graham, que roba más de una escena con una energía desatada que encaja perfectamente en el tono de la película. Pero el metraje se lo merienda Beets, que es puro carisma.
La actriz se transforma aquí en una heroína de acción de primer nivel, capaz de pasar del humor seco a la brutalidad física en cuestión de segundos. Su Asia es una mezcla de vulnerabilidad y furia contenida que recuerda, inevitablemente, a La Novia de Kill Bill, pero con un toque del Ash de Sam Raimi que le sienta de maravilla al personaje.
La generación TikTok ya tiene su Kill Bill
Hay algo en Te van a matar que conecta directamente con una nueva forma de consumir cine. Es rápida, exagerada, fragmentada, llena de estímulos constantes y diseñada para impactar cada pocos minutos. Es, en muchos sentidos, una película pensada para una generación que ha crecido viendo clips de acción, montajes virales y referencias cruzadas en redes sociales. No es casualidad que funcione casi como un carrusel de momentos memorables, más que como un relato clásico de desarrollo pausado. No da tregua, no da respiro y no deja títere con cabeza. Figurada y literalmente.
Pero eso no significa que sea superficial por completo. Bajo la avalancha de violencia y miembros cercenados hay una historia bastante sencilla pero efectiva: la de dos hermanas separadas por un pasado traumático que vuelven a encontrarse en el peor escenario posible. Asia no solo lucha por sobrevivir, sino por redimirse y rescatar a Maria, atrapada en ese infierno vertical que es The Virgil. Esa base emocional, aunque no siempre esté desarrollada con profundidad, le da al conjunto un ancla narrativa mínima pero necesaria. El que esté dispuesto a chapotear entre casquería humana y no le importe ponerse bajo los generosos surtidores de sangre de la película encontrará también una poco disimulada reflexión a caballo entre el creepypasta y la leyenda urbana y el "cuando los ricos roban a los pobres se llama negocios. Cuando los pobres se defienden se llama violencia" de Mark Twain. ¿Por qué no añadir, además, unas gotitas de satanismo para que la mezcla resulte ya del todo fantástica?
Un rascacielos convertido en infierno de Dante moderno
El gran acierto conceptual de la película es su escenario. The Virgil no es solo un edificio: es un personaje en sí mismo. Un espacio opresivo, laberíntico y lleno de secretos donde cada planta parece esconder una nueva amenaza. La idea de convertir un rascacielos de lujo en una especie de infierno contemporáneo funciona especialmente bien, tanto a nivel visual como simbólico. Hay incluso una intención clara, aunque no siempre desarrollada, de estructurar el edificio como una reinterpretación de los círculos del infierno de Dante. Cada nivel introduce nuevas formas de violencia, nuevas reglas y nuevos enemigos, aunque la película no siempre explote todo el potencial de esta idea. Bien podrían haberle metido medio hora más de metraje a la película, porque en ningún momento se hace pesada y estoy seguro de que podríamos haber disfrutado de alguna locura más. Aun así, el concepto está ahí, y ayuda a reforzar esa sensación de descenso (o ascenso) hacia lo grotesco.
Además, el diseño de producción y la fotografía contribuyen a crear una atmósfera muy particular que va mucho más allá de la mera ambientación. Cada planta de The Virgil se siente única, con espacios diseñados para reforzar tanto la tensión como el impacto visual de la acción, desde los salones revestidos en mármol pulido hasta los pasillos oscuros donde cada sombra parece albergar una amenaza. El contraste entre el lujo del entorno, dorados relucientes, espejos estratégicamente colocados, decoración elegante que parece sacada de un catálogo de alta gama, y la brutalidad de lo que ocurre dentro genera una disonancia profundamente efectiva.
Además, hay un componente interesante en cómo articula su discurso. El edificio no es solo un escenario, sino una metáfora bastante evidente del capitalismo extremo: ricos inmortales que se alimentan literalmente de los más vulnerables. No es una idea especialmente sutil, pero sí efectiva dentro del tono de la película. Y cuando Asia arrasa con todo, lo que vemos no es solo supervivencia, sino una especie de revancha simbólica contra una élite intocable.
Esa oposición constante entre opulencia y violencia convierte cada escena en un choque visual y emocional lleno de color y estéticamente muy atractivo; los cadáveres ensangrentados sobre lujosas moquetas y candelabros centelleantes intensifican la sensación de que algo horriblemente corrupto se esconde tras las paredes del hotel. Es el típico caso de "la podredumbre bajo la alfombra", llevado al extremo más sangriento posible, donde la estética se convierte en un instrumento narrativo: el lujo exacerba la brutalidad al mostrar que los ricos viven gracias a la vida de los pobres. Cada encuadre parece cuidadosamente pensado para provocar esa mezcla de fascinación y repulsión, convirtiendo el edificio en un personaje más, un monstruo arquitectónico que refleja la decadencia y la violencia de quienes lo habitan, y que refuerza el tono de exceso pop desatado que define toda la película.
El exceso sin complejos
Si algo define a Te van a matar es su nada disimulado carácter de pastiche. Aquí hay ecos claros de Quentin Tarantino en la violencia estilizada, el montaje, la fotografía y el uso de la música; de Sam Raimi en el humor gore desatado (con un guiño para los fans del desaparecido estudio Neversoft) y hasta de Park Chan-wook en la planificación de algunas secuencias de acción. El problema, y a la vez la gracia del asunto, es que la película nunca esconde esas referencias, sino que hace del alarde las mismas la base desde la que construir su propio espectáculo, como si estuviéramos ante una remezcla generacional pensada para un público que reconoce esos códigos casi de forma instintiva.
Las escenas de acción son, sin duda, su mayor atractivo. Hay coreografías muy trabajadas, momentos visualmente inspirados y un uso del gore que oscila entre lo grotesco y lo directamente cómico. Un ojo que se independiza del cuerpo, enemigos que no pueden morir y vuelven una y otra vez, armas improvisadas como hachas en llamas… todo vale en este festival de excesos. Me ha entusiasmado su alocada y casi infantil despreocupación. Pero más allá de lo anecdótico, hay un trabajo muy medido detrás: Sokolov construye la acción con una precisión visual perfectamente calculada. Y aquí hay que destacar el trabajo de edición de Luke Doolan. Esa precisión se percibe en un ritmo constante que no agota, que siempre te mantiene atento y entretenido. No es casualidad que el director trabajara con cientos de storyboards antes de rodar, lo que permite que incluso en los momentos más caóticos la acción sea legible e impactante. La cámara no se limita a seguir la violencia: la coreografía. Hay zooms agresivos, ángulos inclinados, movimientos que recuerdan a la cámara "poseída" del estilo Raimi, y una puesta en escena que convierte cada pelea en un pequeño espectáculo autónomo.
Un espectáculo imperfecto pero irresistible
A pesar de sus problemas, hay algo profundamente disfrutable en Te van a matar. Es una película que sabe lo que es y no intenta ser otra cosa: Serie B. No busca profundidad filosófica ni grandes discursos, aunque coquetea con temas como la lucha de clases o la explotación. Su objetivo es entretener, sorprender y dejar imágenes grabadas en la retina del espectador. Y en ese sentido, cumple. Su sinceridad juega a su favor. Puede que no tenga la elegancia de sus referentes, ni la coherencia narrativa que algunos espectadores podrían exigir, pero tiene personalidad, energía y un compromiso absoluto con su propuesta. Es de esas películas que funcionan mejor en una sala llena, con el público reaccionando a cada giro, cada muerte y cada locura visual. Es, en esencia, cine de evento en su vertiente más gamberra.
Ese componente, unido al magnético carácter de Zazie Beetz y al compromiso absoluto del reparto, eleva la película por encima de lo que podría haber sido un simple estreno palomitero más preocupado por el impacto estético y tomarse a sí misma en serio que en entretener manejando con elegancia a sus propios referentes. Incluso cuando se descontrola en su tramo final, incluso cuando el exceso se vuelve, valga la redundancia, excesivo, sigue siendo una experiencia con identidad propia. Y eso, en un panorama donde muchas producciones de género parecen cortadas por el mismo patrón, ya es mucho decir.
Por eso, da cierta pena que Warner haya decidido estrenar esta película a la sombra de Proyecto Salvación, una de las películas más importantes del año. Porque Te van a matar merece, como mínimo, una oportunidad de encontrar a su público. Ese público que disfruta del cine de género sin prejuicios, que valora la creatividad incluso cuando es caótica y que busca algo diferente en la cartelera. Quizá muchos tengan que elegir entre un estreno y otro, pero si hay hueco para una propuesta salvaje, exagerada y absolutamente desatada, esta es una de las opciones más interesantes de la cartelera actual.
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