La serie de Science SARU cierra hoy su primera temporada en Prime Video. Es uno de los animes que más he disfrutado este año, y sospecho que dentro de 10 años lo seguiremos poniendo de ejemplo
Cuando la nueva serie de Ghost in the Shell se estrenó el 7 de julio pasó una cosa muy curioso. Vi a una gran cantidad de aficionados al anime y creadores de contenidos y pobladores de la redes sociales en general echarse las manos a la cabeza porque aquello era colorido, era gamberro, era cachondo y tenía a una Motoko que se reía y bromeaba. El veredicto inmediato fue que Science SARU había traicionado el material original. El problema de esa idea es que el material original es exactamente eso. El manga que Masamune Shirow publicó entre 1989 y 1991 es una obra disruptiva, salida de tono, llena de notas al margen y de chistes verdes que Mamoru Oshii decidió podar en la adaptación cinematográfica animada de 1995, mucho más conocida para el gran público, porque en realidad estaba interesado en hacer otra cosa. Una cosa estupenda, claro, pero no una adaptación fiel al manga original.
En general, lo que hemos estado consumiendo durante tres décadas no eran adaptaciones del manga, eran adaptaciones de la lectura que Oshii hizo de aquel cómic japonés, y la diferencia se nota en cuanto alguien va por fin a la estantería y recupera el trabajo de Masamune Shirow. El caso es que esta nueva serie es además la primera versión de la franquicia que no pasa por las manos de Production I.G. en treinta años, y el cambio de manos se nota desde el primer minuto. Dirige Toma Kimura, que firma como Mokochan y que debuta aquí después de trabajar en Dan Da Dan y en Scott Pilgrim da el salto, con guion de Toh EnJoe y con Shūhei Handa al frente del diseño de personajes y de la dirección de animación. Pero vamos al tema: por encima de todos ellos está el propio Shirow que, según ha contado el productor Kōhei Sakita en una entrevista, revisa guiones y storyboards y mantiene contacto constante con el equipo. Y se nota. Mokochan ha llegado a describir su método de trabajo en la serie como una búsqueda de comunión espiritual con el autor.
Le pedí opinión a un animador que conoce a Shirow mejor que yo, y lo primero que me mencionó fue un papel de plata arrugado
Renato Roldán es animador, director de arte y story artist mallorquín con veinte años de oficio a la espalda. Su corto Semilla del recuerdo le valió una nominación al Goya y premios en Mundos Digitales y Art Futura, ha sido director de arte en videojuegos, firmó el storyboard del tráiler de Star Wars Outlaws para Ubisoft y ahora mismo trabaja como story artist en una de las franquicias de ciencia ficción más grandes que existen. Entre medias formó parte del equipo de animación de Love, Death & Robots, la antología de Tim Miller y David Fincher que lleva trece Emmy repartidos entre sus temporadas. Le pregunté por esta serie porque quería contrastar mi entusiasmo con alguien que sabe de verdad de esto.
Su primer contacto con Shirow no fue Ghost in the Shell sino Intron Depot, un artbook que un compañero llevó a unos cursos de verano de ilustración. Aquello le voló la cabeza, y son sus palabras, porque venía de Dragon Ball y de Ranma y de lo que echaban por la tele por aquel entonces, y de pronto tenía delante unas texturas fotográficas de metales y de rayos que Shirow fotografiaba para cpegarlas en sus escenarios. Corrió al quiosco a buscar Patrulla Especial Ghost, que es como conocimos aquí el manga de Ghost in the Shell originalmente, y ya no estaba. Hablamos de tiempos arcanos y remotos en los que Amazon no existía. Los que crecimos comprando tebeos en quioscos sabéis perfectamente lo que significa eso, que no había número atrasado que valiera, que había lo de esa semana y punto. El primer cómic suyo que consiguió fue un Appleseed, el número 12 si no recuerda mal, y a partir de ahí se lo compró todo, porque para él Shirow es el Leonardo da Vinci del manga.
Empiezo a cansarme de los animes normales, y esta serie es justo el antídoto
Cuando le pregunté qué le parecía la serie, Ren se fue directo al color. Dice que está muy cansado de ver animes que parecen todos el mismo porque no hay ningún tipo de variación cromática, que todos son días soleados o días nublados, siempre las mismas paletas, y que son como carne picada pasada toda por un mismo filtro. Frente a eso pone los animes que merece la pena estudiar y no solo ver, y cita a Studio Trigger y a Cyberpunk: Edgerunners, y a Science SARU con The Ghost in the Shell y con Dandadan. Lo que señala es el trabajo de key color detrás de cada secuencia, la decisión consciente de darle a cada bloque narrativo una tonalidad que empuje en la dirección que la escena necesita. ¿Cuántas series habéis abandonado este año sin saber muy bien por qué, con esa sensación difusa de estar viendo algo que ya habíais visto antes, que eran aburridas, que no te enganchaban? Yo unas cuantas, y empiezo a sospechar que muchas veces el motivo estaba justo ahí.
Lo segundo que me señaló Ren es el nivel de detalle en la traducción gráfica del manga. Y es evidente para todos los fans de Shirow que hay un enorme cariño puesto ahí. Uno de los primeros fotogramas de la serie es esa red neural que aparece en las viñetas de Shirow, que en el original es literalmente papel de plata arrugado y tratado para que parezca una red neuronal, y está ahí, replicada. Esos detalles demuestran un cariño especial en la producción. Las expresiones histriónicas de los personajes, esas caras deformadas que forman parte del ADN del manga y que ninguna adaptación anterior se había atrevido a poner tan evidentemente en pantalla, también están. Hay momentos que se reconocen casi de manera idéntica. No es solo fidelidad de argumento, que sería lo fácil, es fidelidad a su ADN artístico.
La secuencia que todo el mundo recuerda funciona porque alguien decidió dibujarlo a mano
Si habéis visto la serie ya sabéis de qué secuencia estoy hablando. La persecución de Motoko al hacker por el mercado, con ella saltando junto al Fuchikoma, es de esas cosas que uno vuelve a ver un par de veces solo por disfrutarla. Ren se detuvo exactamente donde me detuve yo, que es en el peso, porque se ve cómo pesa el Fuchikoma, se ve cómo Kusanagi va rebotando y amortiguando con las piernas el impulso de la máquina, y se ve cómo después salta con toda la fuerza que tiene. Ese detalle, el de que un cuerpo pese, es lo que separa la animación del simple movimiento y es lo primero que desaparece cuando hay prisa o cuando hay poco presupuesto. Y sí, aquí son Fuchikoma y no Tachikoma, porque los Tachikoma pertenecen a Stand Alone Complex y nosotros estamos en el manga.
Quiero pararme un momento para destacar que esta escena es una de las más recordadas de la adaptación cinematográfica animada de Oshii (y también en la peli de Scarlett Johansson, aunque más libremente), la persecución del hacker usando los trajes de camuflaje termo-óptico. Este momento es sin duda una de las cimas de la animación de los últimos 30 años, y que Sciencie SARU haya tenido que replicarla en esta nueva adaptación en una tarea que requiere tanto talento como valor creativo, porque la comparación es inmediata, pero los medios y recursos no son los mismos. A pesar de ello, el tercer capítulo ha dejado el que tal vez sea mi momento preferido de un anime de este 2026. SARU salir airosa de este duelo de interpretaciones gracias a que ha apostado por la personalidad para suplir sus limitaciones técnicas, y eso es un gesto valiente a nivel creativo que destaca especialmente en el panorama actual del anime.
Todo esto tiene una explicación industrial. En el Festival de Annecy, donde la serie se presentó antes del estreno, Mokochan confirmó que no se ha usado ni un fotograma de IA generativa en toda la producción, y la sala se vino arriba. El productor Sakita llegó a enseñar una tabla con la cantidad de elementos dibujados a mano en la serie, que según contó triplica lo habitual en un anime de hoy. Eso no significa que hayan renunciado a la tecnología, porque el propio Mokochan explicó que es aficionado a los shooters en primera persona y que quiso construir sets en 3D para poder replicar ciertos movimientos de cámara imposibles de sostener en dibujo a mano. Que la serie sobre la disolución de la frontera entre lo humano y lo digital haya decidido apostar pro el componente humano de la fórmula para destacar es más que una declaración de intenciones, es una filosofái creativa que, curiosamente, bebe del manga original cerrando un círculo narrativo y filosófico.
Hoy se acaba la temporada y yo ya estoy pidiendo ya otra cosa
La primera temporada cierra hoy en Prime Video y llego al final con una sensación distinta de la que tenía en julio. Empecé viéndola por la animación, que era lo que me había traído hasta aquí, y me he quedado por el fondo creativo, que es algo que no me esperaba. Ya os conté con el episodio 8 que la serie sitúa el nacimiento de la conciencia artificial en 2025 y que el Titiritero no pide compasión sino reconocimiento, y esa idea, escrita en 1989, se lee hoy de una manera que Shirow no podía haber previsto del todo. Lo interesante nunca fue que acertara la fecha, porque no la acertó y en su momento era un tiro al aire, sino que acertara el comportamiento humano, que es primero curiosidad, después, manipulación, miedo y al final el intento de eliminar lo que ya no se puede eliminar. Es uno de los animes que más he disfrutado este año.
Cuando le pregunté a Ren qué querría después de esto, no me pidió una segunda temporada. Me dijo que su mayor deseo sería que esta misma gente cogiera el resto de la obra de Shirow y le diera este mismo cariño, y que un Appleseed con este acabado le volaría la cabeza. Me sumo entero, y creo que muchos de vosotros también. Hemos tenido Appleseed en CGI, en versiones que envejecieron regulinchi y nunca lo hemos tenido dibujado a mano por gente dispuesta a trasladar todo lo que hizo especial el manga original. Así que apunten un "+1" a la idea de Ren porque a mí también me encantaría.
¿Y tú qué opinas? ¿Qué te ha parecido la nueva serie de The Goshot in the shell? ¿Eres más fan de la peli de Oshii o de este nuevo anime? ¿Lo tuyo es Stand Alone Comple? Puedes unirte al servidor de Discord de 3DJuegos y compartir tu opinión con otros fans.
En 3DJuegos | "Podrían llamarme idiota". El director de Ghost in the Shell es igual de raro que yo cuando juega a Fallout 4
En 3DJuegos | La primera Ghost in The Shell es más famosa, pero tal vez su secuela sea mucho mejor película
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