De BioShock a Shadow of the Colossus: los videojuegos inspiran las películas de Del Toro, mezclando mundos decadentes, criaturas trágicas y narrativas épicas
Nos cae bien Guillermo del Toro. ¿Cómo iba a ser de otra manera? No solo hace un cine "bien chingón", también es uno de los nuestros, de los que saben apreciar los videojuegos no solo como ocio y esparcimiento, sino como un medio creativo que da alas a artistas y narradores para tratar con sutileza y arte temas complejos y emocionantes. Su cine siempre ha estado poblado por criaturas, mitologías reinventadas y héroes quebrados, y detrás de todo eso hay un ojo crítico que sabe observar mundos virtuales con la misma fascinación con la que diseña los suyos.
En una ya célebre entrevista de Del Toro con Joshua Horowitz para Happy Sad Confused, retomada en una noticia de 3DJuegos por mi querido compa Marcos Yasif, nos revela un mapa emocional y estético de su universo creativo a través de los videojuegos que más le apasionan: BioShock, Death Stranding, la saga Metal Gear, Left 4 Dead, Red Dead Redemption, God of War (2018) y Shadow of the Colossus. Cada uno de estos títulos funciona como un espejo donde se reflejan obsesiones, atmósferas y estructuras narrativas presentes en su filmografía, desde Cronos hasta Frankenstein.
BioShock: mundos decadentes y belleza corrupta
Del Toro destaca de BioShock su capacidad para sumergir al jugador en un mundo decadente y monstruoso, donde la belleza y lo grotesco conviven de manera inextricable. Esa dualidad estética es constante en su cine, donde lo sublime y lo macabro se funden para provocar emoción y reflexión. La ciudad submarina de Rapture, con su art déco oxidado y sus espacios corroídos por la ambición y la locura, encuentra un paralelo estético en la arquitectura exuberante de Crimson Peak, así como en los entornos decadentes de Hellboy II. ¿Y qué me decís de la paleta de color? No podemos hablar de la estética de las pelis de Del Toro sin hacer una mención a sus directores de fotografía, Guillermo Navarro, quien ganó un Oscar por El laberinto del fauno; y más recientemente en La forma del agua y su versión de Frankenstein, el danés Dan Laustsen.
Temáticamente, BioShock plantea preguntas sobre la ética y la creación: ¿qué nos convierte en monstruos? Esta inquietud atraviesa películas como El laberinto del fauno o La forma del agua, y claro, Frankenstein, su historia de monstruos preferida. La figura del creador que juega a ser dios, tan presente en Andrew Ryan, se refleja en el ingenio vampírico de Cronos o en los adultos que manipulan la realidad de los niños en El espinazo del diablo. Tanto en Del Toro como en BioShock se observa y analiza la narrativa moral.
Death Stranding: soledad, conexión y mundos liminales
El vínculo entre Del Toro y Hideo Kojima es más que profesional: es un intercambio creativo que ha marcado profundamente su percepción del medio. Death Stranding representa, en palabras de Del Toro recogidas por Forbes, una experiencia inmersiva sobre la soledad y la necesidad de conexión, temas que atraviesan toda su filmografía. Los paisajes desolados del juego recuerdan los espacios fantasmales de El espinazo del diablo, mientras que la imaginería de criaturas entre mundos dialoga con los kaiju de Pacific Rim y esa influencia de Lovecraft de la que resulta imposible escapar y que también se relaciona con su fallida adaptación de En las Montañas de la Locura.
La narrativa de Death Stranding, centrada en la construcción de puentes emocionales y físicos, tiene un reflejo directo en la relación de Elisa con la criatura en La forma del agua. Los puentes son emocionales, algo muy presente en la obra de Kojima y en la del director mexicano, que encuentran siempre una vía de empatizar con "el otro", ya sea un terrible agente sociético con habilidades paranormales o un príncipe elfo con sed de venganza, Además, la presencia de lo espectral como metáfora del trauma y la pérdida conecta con la sensibilidad de Del Toro hacia los mundos liminales, donde la vida y la muerte, lo humano y los espiritual conviven en tensión constante.
Su mirada de cineasta se ve enriquecida por su herencia cultural mexicana, una espiritualidad mestiza que abraza la muerte como presencia cotidiana, protectora y sagrada, heredera de raíces indígenas, influencias coloniales y prácticas populares vivas hasta hoy, y que tienen un curioso paralelismo con el sintoismo nipón y una tradición espiritual japonesa. Ambas conciben lo sagrado como una presencia cotidiana, donde espíritus, ancestros y fuerzas invisibles habitan el mundo material. En ambos casos, la frontera entre vivos y muertos no es rígida, sino un espacio permeable donde se honra, se dialoga y se convive con lo espiritual como parte natural de la vida.
Metal Gear: conspiración, política y humanidad en conflicto
La saga Metal Gear, de la que Del Toro es admirador confeso, combina espionaje, política global y dilemas morales, elementos que tal vez no sean demasiado evidentes, de primeras, en su cine. Estéticamente, la estilización de la acción en Metal Gear encuentra eco en la coreografía visual de Blade II y las película de Hellboy, mientras que la iconografía militarizada y tecnológica resuena en Pacific Rim, donde la tecnología y la humanidad colisionan con consecuencias espectaculares. Por cierto, siempre es buen momento para recomendaros el libro Los secretos de Shadow Moses: Más allá de Metal Gear, de nuestro compañero Adrián Suárez.
Los secretos de Shadow Moses: Más allá de "Metal Gear": 4 (LunwerGG)
Narrativamente, la tensión entre destino personal y manipulación institucional que atraviesa la saga de Kojima se refleja en el cine de Del Toro, donde los personajes están atrapados en sistemas que los exceden. La figura del soldado o agente marcado por su pasado se asemeja a los héroes trágicos de películas como El callejón de las almas perdidas, quienes deben confrontar fuerzas que no pueden controlar y decisiones morales imposibles de eludir, o el propio Hellboy, atrapado en un empleo claustrofóbico que le impide llevar la vida que desea junto a Liz Sherman.
Left 4 Dead: supervivencia, camaradería y caos controlado
Aunque Del Toro menciona Left 4 Dead de forma más ligera, su elección no es casual. Os confieso que me sorprendió la elección en un primer momento, pero cuando pienso que el juego puede reflejar su interés por la dinámica de grupo frente a lo monstruoso, un tema recurrente en títulos como Blade II y Hellboy, empiezo a entenderlo. La fisicidad y extravagante extrañeza de los infectados remite a los vampiros mutados de Blade II, mientras que la cooperación entre personajes y la narrativa emergente evocan la estructura coral de la BPRD del universo de Hellboy, que tan bien supo adaptar Del Toro. Si antes os recomendaba el libro de Adri, ahora es recomiendo todos los cómics de Hellboy y BPRD.
Además, el humor negro y la tensión constante, tan presentes en el juego, son elementos que Del Toro maneja con maestría en su cine. La interacción entre personajes frente a un caos incontrolable le permite explorar la resiliencia humana y la construcción de comunidad, conceptos que trascienden la pantalla y se trasladan al medio interactivo. No está mal para un juego de matar zombis.
Red Dead Redemption: mitología americana, fatalismo y redención
Creo que en Red Dead Redemption, Del Toro encuentra la dimensión trágica y humana del western moderno. La recreación minuciosa de un pasado mítico dialoga con la reconstrucción histórica de El callejón de las almas perdidas, mientras que la fuerza de la naturaleza como elemento moral evoca los bosques simbólicos de El laberinto del fauno. Tal vez sea rizar el rizo y buscarle tres pies al gato, y simplemente Del Toro menciona este título porque es un juegazo. Don Guillermo, si me está usted leyendo, me encantaría hablar con usted del tema, gracias.
Temáticamente, la búsqueda de redención de John Marston se alinea con los personajes quebrados y moralmente complejos del cine de Del Toro. El fatalismo narrativo, esa sensación de que el destino es ineludible y que tanto se pelea con el concepto de Destino Manifiesto que tanto miedo debe darnos a todos a día de hoy, se percibe en la dramática historia de Marston que Rockstar construye con tanta sensibilidad.
God of War (2018): acción narrativa, paternidad y tragedia épica
Del Toro describe God of War como una experiencia cinematográfica total, destacando la integración entre acción y narrativa, especialmente durante la icónica pelea entre Kratos y Odín (aunque el combate iene lugar en God of War Ragnarök) . La monumentalidad de los escenarios recuerda la escala mitológica de Hellboy II, mientras que la fluidez de la cámara del juego tiene paralelos claros con la coreografía de acción de Pacific Rim y mi querida Blade 2. Esos movimientos de 360 grados alrededor de los protagonistas a cámara lenta son "muy de videojuego", un exceso visual muy criticado a finales de los 90 por su sobreexplotación cinematográfica en el momento en el que la estética y recursos narrativos de Matrix lo fagocitaban todo, pero que Del Toro siempre ha sabido manejar con mesura y mucha clase. Con menos elegancia puso en pantalla los enormes mamporros de los mechas de Pacific Rim y los Kaiju, más que nada, porque la propia naturaleza de esos combates lo pide a gritos. Resuena tanto un buen puñetazo de Cherno Alpha (de lejos, mi Jaeger preferido) como uno de Kratos contra la jeta de Balder.
La relación padre-hijo que estructura la historia resuena con los vínculos rotos o simbólicos de El laberinto del fauno y Hellboy, mientras que la tragedia íntima enmarcada en un universo épico refleja la sensibilidad de Del Toro hacia lo humano frente a lo monumental, lo titánico, lo colosal. Este juego le permite experimentar una narrativa de acción que dialoga directamente con su cine, donde cada enfrentamiento físico también es un enfrentamiento emocional. Por cierto, hablando de colosos…
Shadow of the Colossus: poesía, silencio y sacrificio
Finalmente, Shadow of the Colossus representa quizás el videojuego más cercano a la sensibilidad de Del Toro, al que define como "poético y trágico". La majestuosidad melancólica de los colosos recuerda a las criaturas nobles y tristes de El laberinto del fauno, a la criatura de Frankenstein una vez más, a todas las criaturas del mercado troll de Hellboy 2, mientras que el uso del silencio como recurso narrativo se refleja en La forma del agua.
El sacrificio como motor narrativo y la ambigüedad moral, preguntarse qué precio tiene salvar lo que amamos, son ejes temáticos que atraviesan su filmografía. Como en El espinazo del diablo, la decisión de enfrentarse a lo imposible tiene consecuencias profundas, y la interacción con un mundo que parece vivo refleja la misma inmersión emocional que Del Toro busca en sus películas.
Del Toro: un cineasta que juega para expandir su universo
La lista de videojuegos de Guillermo del Toro no es solo un inventario de gustos personales: es un mapa de afinidades creativas. Cada título refleja preocupaciones estéticas o narrativas que atraviesan su obra: mundos decadentes y hermosos, criaturas trágicas, héroes quebrados, mitologías reinventadas y una sensibilidad profunda hacia lo monstruoso como espejo de lo humano.
No creo que Del Toro no juegue solo para evadirse; juega para expandir su universo creativo. Como él mismo ha afirmado, los videojuegos son un medio artístico legítimo, una influencia comparable a los cómics en su juventud, y merecen respeto por su capacidad de inmersión y narrativa. Su pasión por el medio ha dejado huella no solo en su cine, sino también en la forma en que piensa la narrativa, la construcción de mundos y la relación emocional con el espectador. En esa intersección entre cine y videojuegos, su obra encuentra nuevos valores formales y tonales.
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